<Azure Horizons: 푸른 세계로의 여정>

전시일자 : 2024.08.30(금) – 09.08(일)

0905, 0906 _ 10:00 – 18:00 / 0907 _ 10:00 – 20:00  /  0908 _ 10:00 – 18:00

<Azure Horizons: 푸른 세계로의 여정>전은 각 작가 그리고 관람객이 바라보는 시선에 따라 다양하게 해석되는 푸른색의 영향력과 그 확장성을 환기시키고자 합니다. 전시작들은 전통적인 관념을 넘어 고귀한 푸른 빛의 세계로 초대하며, 그것의  다채로운 상징성, 정서적인 깊이, 그리고 미학적인 아름다움을 보여줍니다. 이번 전시를 통해 고요하고 신비로운 Azure(푸른) 세계로의 여정을 경험하기를 기대합니다.

필립스X의  특별전, <Azure Horizons: 푸른 세계로의 여정>은 푸른색 중에서도 가장 풍부하고 다채로운 색조이자 예술사에서 가장 가치있는 안료인 하늘빛(Azure)의 다양한 아름다움과 상징성을 고찰하고자 합니다.

푸른색의 깊이있는 다양성을 탐미하는 본 전시는, 정제된 미니멀리즘과 변치않는 미적 고결함을 선보이는 다양한 작품들을 통해 정련되고 기품있는 컬러들을 소개합니다.

조지 콘도(George Condo), 데본 드 자댕(Devon DeJardin), 김민구, 니콜라스 파티(Nicolas Party), 우고 론디노네(Ugo Rondinone), 살보(Salvo), 이우환, 플로라 유크노비치(Flora Yukhnovich) 등 국내•외 현대미술 작가들의 강렬한 붓터치와 역동적인 작품 세계를 만나보실 수 있습니다.

 LEE UFAN <Untitled>,watercolour on paper,55 x 75 cm (21 5/8 x 29 1/2 in),1976.

이우환 작품의 독보적인 푸른 획은 물과 유형성 그리고 시간의 연속성을 연상시키며, 붓과 캔버스 사이 작가의 물리적 교감을 조명하고 있으며, 김민구 작품은 기하학적인 형태와 함께 마치 이우환 작품을 연상시키는 세련되고 단아한 파란색의 조합을 보여줍니다.

UGO RONDINONE <vierundzwanzigsterjunizweitausendundfünfzehn>, acrylic on canvas, 280 x 185 cm (110 1/4 x 72 7/8 in.),2015.

우고 론디노네의 작품명 vierundzwanzigsterjunizweitausendundfünfzehn(2015)은 제작일인 2015년 6월 24일을 의미하는데, 2008년에 시작된 작가의 구름 시리즈 작품 중 하나입니다. 직사각형 캔버스는 구름과 같은 유기적인 형태로 변모하고, 수증기를 보는 듯한 착시 효과를 주는 트롱프뢰유 기법(trompe l’oeil)을 통해 제한된 캔버스 공간 안에서 역설적으로 무한한 영역으로 확장되는 느낌을 자아내는 화면을 구성하고 있습니다.

                               NICOLAS PARTY <Tree With Snow>,pastel on canvas,240 x 170 cm (94 1/2 x 66 7/8 in.),2017

니콜라스 파티의 Tree with snow (2017) 및 나무를 묘사한 기타 풍경화들은 관람객들을 스위스의 숲 속으로 안내하는데, 스위스는 작가가 유년 시절을 보내며, 자신의 작품에 예술사적 해석을 통해 자주 차용하는 자연 소재들과의 견고한 유기적 관계를 형성하게 해준 곳이기도 합니다. 파티는 부드러운 파스텔을 주매체로 사용하며, 자신의 예술적 시각을 우아하고 정밀하게 표현합니다.

<Azure Horizons: 푸른 세계로의 여정>전은 각 작가 그리고 관람객이 바라보는 시선에 따라 다양하게 해석되는 푸른색의 영향력과 그 확장성을 환기시키고자 합니다. 전시작들은 전통적인 관념을 넘어 고귀한 푸른 빛의 세계로 초대하며, 그것의  다채로운 상징성, 정서적인 깊이, 그리고 미학적인 아름다움을 보여줍니다. 이번 전시를 통해 고요하고 신비로운 Azure(푸른) 세계로의 여정을 경험하기를 기대합니다.

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PhillipsX is pleased to present Azure Horizons: A Journey Through Blue, an exhibition which explores the multifaceted beauty and symbolism of Azure – not only the most richly layered tone of blue, but also the highest valued pigment used in painting throughout the history of art.

In this monochromatic yet richly layered exhibition, sophistication meets elegance in works that exude chic minimalism and timeless grace. Bold brushstrokes and dynamic forms bring together works by a variety of international contemporary artists including George Condo, Devon DeJardin, Minku Kim, Nicolas Party, Ugo Rondinone, Salvo, Lee Ufan, and Flora Yukhnovich among others.

From Lee Ufan’s legendary blue brushstrokes, which highlight the physical interaction between brush and paper while evoking water, corporeality, and the passage of time, to Minku Kim’s precisely applied geometric shapes and elegant color juxtapositions, inspired by Ufan’s work.

Ugo Rondinone’s vierundzwanzigsterjunizweitausendundfünfzehn (2015), meaning ‘June 24th, 2015’ – which refers to the precise date of its creation – belongs to the artist’s cloud painting series which he began in 2008. Its rectangular field transforms into cloud-like undulations to create a sharp contrast between the vaporous trompe l’oeil and depict immeasurable space while also exuding a contrary sense of finiteness.

Nicolas Party’s Tree with snow (2017) and tree pastels take the viewer through the forests of Switzerland – a country which the artist explored during childhood, and one which holds strong ties to the natural elements in the art historical canon. The artists use of soft pastels allows him to articulate his artistic vision with grace and precision.

Azure Horizons: A Journey Through Blue celebrates the evocative power and diversity of the color blue, as interpreted by each artist and seen by each viewer. The works on display combine a sense of gravitas with an invitation to transcend traditional horizons and explore the rich symbolism, emotional depth, and aesthetic beauty of the color. This exhibition offers a dynamic and introspective journey into the serene and enigmatic world of Azure.

• 전시 작품 관련문의는 필립스 옥션(02-797-8008)측으로 문의 바랍니다. 
• 아트센터 내 주차공간 협소로 외부 차량은 가급적 근처 정독도서관 유료주차 이용부탁드립니다.

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Nostalgia

영원한 현재

조원강의 이번 전시는, 그의 과거 작업의 현재이며, 이로부터 미래의 작업을 가늠하고 유추하는 시간이라 할 수 있다. 대학에서 은퇴를 목전에 둔 지금, 그동안의 자신(의 작업)을 성찰하고 향후 미래의 방향을 암시하는 전시를 기획한 것이라 할 수 있을 것이다.

우리는 과거가 품은 미래 혹은 과거의 시간을 함유한 미래로 함께 동행을 시작한다.  과거 존재했던 혹은 앞으로 존재할 모든 대상들이 영원한 현재에서 만난다는 것은 매혹적인 점이다. 그것이 바로 노스탤지어가 선사하는 꿈이다.

이번 전시는 Nostalgia란 제목아래 다음과 같은 3가지의 테마가 서로 만난다. ‘관계(Relationship)’, ‘Ways of Seeing’, ‘시간의 공간화(Beyond the frame)이 그것이다.

1.관계(Relationship)

초기 그의 노스탤지어는 ‘관계’라는 주제로 우리와 만났다. 화가의 시그니처라고 할 수 있는 인간과 반려견을 그린 작품이 그것이다. 그림 속 견주와 반려견은 도시 이곳 저곳을 산책한다. 보호자와 반려견은 끈으로 강하게 연결됐고 시선은 대개 같은 방향을 향한다. 그림은 반려견의 눈높이에 맞춰졌다. 이는 반려견의 시점이므로 견주들은 가슴 아래 혹은 다리 부분에서 포착되는 모습을 보인다.

Relationship-2012. Acrylic on canvas, 90.9 x 60.6cm, 2012

강렬한 시각적 구성은 그들을 더욱 절대적으로 견고하게 연계한다. 긴장했던 관객의 시선은 편안하게 다른 곳까지 미친다. 그리고 등장하는 인물과 반려견이 향하는 곳, 어딘가 또 다른 이야기가 펼쳐질 것 같다. 사람과 사람, 사람과 반려견, 반려견과 반려견이 관계하며 생성하는 수많은 이야기가 그것이다.

Relationship-2024. 3d pen and acrylic on canvas, 90.9 x 60.6cm, 2024

2. Ways of Seeing

‘관계’는 점차 시간이 덧입혀져 다층화되고 공간을 입체화하는 것으로 확장됐다. 무생물을 포함한 모든 존재하는 것들이 시선을 다양하게 주고 받으며 관계의 입체망을 형성했다. 특히 미술관처럼 특정한 공간에서 주고 받는 시선의 교차는 극적인 장면을 연출했다. 액자에 그려진 그림, 혹은 미술관 여기저기를 장식한 조각은 관람자와 만나 시선을 교환한다. 이미 지나간 시간과 공간이 현재와 공시적 관계망을 형성하는 것이다. 이른바 “Ways of Seeing”이다. 이들 작품은 그가 뉴욕에 상주하면서 카메라로 포착한 다양한 풍경을 화면에 옮긴 것이다. 그는 카메라라는 도구로 뉴욕의 거리 구석 구석을 파고 들었고 미술관과 그곳 관람객의 시선을 잡아냈다. 그리고 거미줄처럼 얽키고 설킨 시선의 교차를 그림으로 재현했다.

Ways of Seeing- Nocturne of the Limax maximus, oil on canvas, 162.2 x 112.1cm, 2017

그림에 재현된 풍경은, 이미 오래 전 과거이다. 그래서 그들은 지금 여기 없다. 그런데 그림에 등장해서 지금의 나와 만난다. 한때는 뮤지엄과 뉴욕 거리를 산보했던 그들은 이렇게 정지된 상태로 프레임 안에 소환됐다. 부재하나 그들은 그때 현존했었다. 이른바 부재의 현존. 이처럼 현재와 과거, 현실과 허구의 경계가 사라진 포스트모던 상황 속에 우리는 위치한다. 그림 속 그림, 그러니까 텍스트 속의 텍스트, 실재와 허구가 넘나드는 묘한 경험을 맛본다. 그림 속에 등장해서 시선을 주고 받는 사람들 그리고 자신을 응시하는 관람객을 곁눈질하는 작품 속 인물들. 더해서 작품과 작품이 서로를 마주보거나 빗겨 응시한다. 주고 받는 시선 만큼 수많은 이야기가 그 사이를 오고 간다.

Ways of seeing 2024-1, oil on canvas, 162.2 x 112.1cm, 2024

이처럼 카메라의 눈으로 재현된 과거를 유화로 재구성할 때, 화가는 현재와 과거, 이곳과 저곳을 종횡무진한다. 시선들이 시공간을 허물고 만난다. 붓에 의해 생명을 얻은 대상은 실감을 얻어 화가를 응시한다. 보는 주체와 보여지는 대상의 위계가 사라진다. 화가와 그림 속 인물은 서로가 (보는) 주체이자 (보여지는) 대상이다. 따라서 서로 평등하게 시선을 주고 받는다. 조원강의 그림은 이를 무수히 반복한다. 그래서 시간과 공간은 어쩔 수 없이 과거와 현재, 이곳과 저곳, 수많은 틈을 생성한다. 틈과 틈 사이는 심연보다 깊고 아득하다. 그들의 이야기는 현재 공백으로 남아 있다. 화가는 그때의 시간을 시각적으로 진공 포장해서 투명하게 제시했다.

3. 시간의 공간화(Beyond the frame)시선의 관계망, 존재의 가능성 그 이후 그는 3D 펜을 사용한 드로잉으로 시간을 켜켜이 쌓아 평면에 가두고 공간을 붙잡는 작업에 매진했다. 3D 펜 이전, 화가 조원강은 오래 전부터 보고 보여지는 존재의 관계망을 사진으로 포착해서 붓으로 채색했다. 사진 속에 등장하지만 지금은 부재하는 어떤 실존에 관한 회화적 탐구를 지속해 왔다. ‘보여지는 나’와 ‘바라보는 나’는 이미 우리와 만났었다. 그들은 지금 없지만 뉴욕의 공원과 거리를 산책했고 미술관을 걸었다. 그들은 그 모든 공간을 분주하게 오고 갔다. 발자국 소리, 반려견이 킁킁대는 소리, 꽃이 만개하는 소리, 당신을 그리워하는 소리, 터벅 터벅 흙길을 걷는 바람, 피로한 자동차 소음, 내일을 고하는 핏빛 노을, 이들이 시간을 동반하고 화면을 가득 채웠다. 그 시간과 공간이 바야흐로 3D 펜의 섬세한 선으로 등장한 것이다.

Beyond the frame-Ways of seeing 2022-01. 3d pen and acrylic on canvas, 90.9 x 60.6cm, 2022

선은 길게 이어지다가 시간과 만나 밀어를 속삭인다. 시간이 공간과 만나면 공간이 시간화되고, 시간의 실루엣이 공간의 밀도와 시간의 지속을 측량한다. 일정한 거리를 유지해도 시간은 공간을 비집고 파고 든다. 사이를 존중하며 관조하지만 열정적 사랑을 감추지 못한다. 마침내 캔버스 외부로 훌쩍 도약한다. 프레임 너머를 프레임한다. 프레임 너머 비상한 선은, 청신한 공기와 만나 꽃을 피워내고 그와 그녀를 만나게 한다. 그와 반려견을, 그녀와 반려견을, 반려견과 반려견을, 꽃과 나무와 햇살과 초록을 만나게 한다. 재프 쿤스와 에드가 드가와 조지 시걸이 선처럼 풀어지며 서로 해후한다. 세계를 더욱 강하게 결속시키려고 선이 바빠진다. 그것도 잠시, 선은 마구 풀어지며 평면을 입체화 한다. 두께가 쌓인 시간과 공간이 부조처럼 일어선다. 그러다가 중량을 이기지 못하고 벽에 암각화처럼 새겨진다. 선은 벽 위에 춤추듯 유려하게 수를 놓는다. 이름하여 평면 원근법의 벽화가 장대한 세계의 영역을 펼쳐낸다. 풍경은 무중력으로 벽에 장식돼 우리 마음 속으로 스며든다.

Beyond the frame-Ways of seeing 2022-02. 3d pen and acrylic on canvas, 90.9 x 60.6cm, 2022

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SPRING PICNIC

공예로운 봄

‘봄’ 이 시작되면, 생명과 창조의 에너지가 넘치는 시간이 찾아옵니다.

신선하고 활기찬 계절을 맞아, 공예의 아름다움을 가까이에서 경험할 수 있는 기회를 맞이하게 되었습니다.

‘Spring Picnic’은 20명의 작가들이 모여 봄을 다양하게 표현하는 작품을 선보이고자 합니다. 각기 다른 시선과 예술적 언어로 봄을 풀어내며, 가구 소품, 오브제 등 다양한 형태의 작품으로 공간을 채워 봄의 생명과 아름다움을 담아냅니다. 작품은 서로 다를 수 있지만 예술과 자연의 만남을 통해 새로운 영감을 선사하고자 합니다.

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봄, 漆展

봄, 漆展은 북촌한옥마을에 위치한 서로재의 20인 화우들이 모여 그동안의 수련과 창작을 통해 만들어낸 옻칠 작품을 공개하는 전시회입니다. 전통 옻칠기법을 활용하여 제작된 200여 점 작품을 전시할 예정이며, 전시에 참여한 서로재의 화우들은 자신만의 실력과 취향을 반영하여 소반, 쟁반, 매트, 옻칠화, 도자기, 오브제 등 다양한 작품을 선보입니다. 2024년, 새로운 봄이 찾아왔습니다. 따뜻한 기운과 함께 서로재 화우들의 작품이 전시된 송원아트센터  봄, 칠   展에 초대합니다. 감사합니다.

서로재 화우 20인 일동

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Serendipitous

Østergade CPH

Seoul

3daysofdesign 이후 서울에서 만나는 코펜하겐의  Østergade

2023_0614  >  2023_0705

Opening Reception : 2023.06.14. pm6

Full of Scandinavian design in Østergade, which is the main street in the center of Copenhagen where the design studios like NORR11 and 101 CPH are located. We want to create an experience where the visitor serendipitously discovers the designs while walking on a gallery street in Seoul.

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3daysofdesign is a festival that takes place in the city of Copenhagen. It is a frame for people to meet, network and be inspired. The festival takes place in the showrooms, shops, streets, workshops and backyards of Copenhagen, as the host for a growing community of design lovers celebrating creativity. 3daysofdesign is a curated selection of noteworthy Danish and international brands within the realm of lifestyle,design, furniture, lighting, decorative objects and interior design.

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Our concept is to bring the spirit of 3daysofdesign Copenhagen to Seoul. We will be highlighting three exciting Danish brands: NORR11, 101 Copenhagen and Massimo Copenhagen. We want visitors to serendipitously discover these up and coming Danish brands so that it excites, inspires and motivates the senses. Our hope is that visitors will discover or reimagine their ideas about Scandinavian design.

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스칸디나비아 디자인으로 가득한 Østergade는 코펜하겐의 중심의 메인 거리로 NORR11, 101 COPENHAGEN 등의 스튜디오가 위치해 있습니다. 서울의 갤러리 거리를 걷다 Østergade에서 마주했던 디자인을 예기치 못하게 발견하는 경험을 드리고자 합니다.

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코펜하겐에서 열리는 디자인 축제 3daysofdesign은 사람들이 만나고, 네트워크를 형성하고, 그리고 영감을 받을 수 있는 프레임입니다. 창의적고 디자인을 사랑하는이들의 성장하는 커뮤니티를 위한 호스트로서 코펜하겐의 쇼룸, 상점, 거리, 스튜디오및 백야드등에서 열립니다. 3daysofdesign은 라이프스타일, 디자인, 가구, 조명, 오브제 및 인테리어 디자인 영역 내에서 주목할만한 덴마크 및 인터내셔널 브랜드를 선별한 콜렉션을 선보입니다.

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NORR11, 101 COPENHAGEN, MASSIMO COPENHAGEN의 감각적이고 흥미로운 덴마크 브랜드를 통해 3daysofdesign 코펜하겐의 스피릿을 서울에서 만나게 될것입니다. 보는이의 감각을 자극하고 영감을 주고 동기를 부여할 수 있도록, 라이징 하이앤드 덴마크 디자인을 우연히 발견하는 경험을 하시기 바랍니다. 또한 스칸디나비아 디자인에 대한 자신의 아이디어를 발견하거나 재해석할 수 있기를 바랍니다.

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전시에 대한 간략한 내용을 보내주셔야 합니다.

일정과, 전시 내용 등

*포트폴리오는 추후 제출 가능 합니다.

기타 대관시에도 사용 용도에 대한 대략적인 설명과 일정이 첨부되어야 합니다.

이메일로 도착한 문의에 대해서만, 유선상 상담이 가능함을 유의해 주시기 바랍니다.

감사합니다.

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GHADA AMER

SUZY PLAYING, 2022
Lost wax cast bronze with patina
96.5 x 71.6 x 30.3 inches
245 x 182 x 77 cm
Edition 1/3

L’ÉTTONEMENT D’AMÉLIE, 2022
Lost wax cast bronze with patina
Lost wax cast bronze with patina

JULIA’S PINK, 2005
Acrylic, embroidery and gel on canvas
64 1/8 x 76 1/8 inches
162.9 x 193.4 cm

30 AUGUST – 15 SEPTEMBER 2022

앤드류 크렙스, 보톨라미, 티나 킴 갤러리가 창단 프리즈 서울을 기념해 송원아트센터에서 단체전 ‘누적효과’를 선보인다. 누계 효과는 존 야우가 큐레이팅하고 있으며, Pacita Abad, Ghada Amer, Davide Balliano, Daniel Buren, Oliver Lee Jackson, Suki Seokyeong Kang, Minouk Lim, Rebecca Morris, Mary Obering, Clare Rojas, Cheyney Thompson, and He Xiangyu 등의 아티스트들이 참여한다.

누계효과의 작가들은 다양한 재료와 과정을 통해 연필, 수채화, 유화, 금박, 스프레이 페인트, 직물, 실크스크린, 콜라주를 사용하여 전기, 문화, 사회, 정체성, 불안, 욕망, 그리고 시간과 역사에 대한 반추와 교차하는 주제에 참여한다. Ghada Amer가 자수와 젤을 사용한 것, Mary Obering이 달걀 템페라와 금박을 사용한 것, Pacita Abad가 패딩 캔버스에 바느질을 한 것, Minouk Lim이 나무 지팡이와 갑오징어 뼈를 사용한 것을 대체할 수 있는 것은 없다. 이러한 멀티미디어 예술가들은 개인과 지역 역사의 접점, 예술의 다른 서사와 반 서사, 그리고 끊임없는 위협 속에서 개인이 되는 것의 효과에 관심을 가지고 있으며, 그들 자신과 관람자를 위해 예술의 가능성을 열어준다.

이번 전시회의 제목인 ‘누적효과’는 미국 화가 Rebecca Morris가 벨기에 화가 Raoul De Keyser, (1930~2012)가 딘제에서 사망한 직후 그의 그림에 쓴 에세이(2013년 3월 1일자)에서 따왔다. 모리스는 “개인적이면서도 완전히 개방적이고 관대한 이미지를 구성하고 구축하는 방법”이라고 썼다. 누적 효과의 예술가들은 구세계의 사고와 20세기 후반의 아방가르드와 작가의 죽음에 대한 이론에 필수적인 많은 가정에 도전한다.

DAVIDE BALLIANO
UNTITLED_0141, 2019
Plaster, gesso & varnish on wood
48 x 48 inches
121.9 x 121.9 cm

TINA KIM GALLERY

티나킴 갤러리는 가다 아메르(Ghada Amer(b.1963)의 새로운 청동조각을 발표하는 개인전, <Paravent Girls / 파라벤트 걸>을 8월 30일부터 9 월 15 일까지, 송원아트센터에서 개최합니다. 가다 아메르는 캔버스에 수놓은 회화에서부터 정원과 같은 대규모 식물설치 프로젝트에 이르기까지 다양한 매체의 작업을 발표해왔습니다. 대담한 페미니즘적 함축을 묘사하는 작가의 작업은, 여성과 여성에 관련된 고정관념, 섹슈얼리티에 대한 주된 관심을 지속하고 있습니다. 잡지에서 발췌한 여성의 누드 이미지 위에 겹쳐진 다채로운 추상화는, 남성은 에로틱한 시선의 전달자이고 여성은 그 대상일 뿐이라는 미학적 전통을 거부합니다. 그녀는, 특히 매체연구에 있어서도 전통적이라고 여겨지는 서구적인(혹은 남성적인) 미술의 바깥을 향하기 위한 실천적 확장을 지속하고 있습니다.

<Paravent Girls / 파라벤트 걸>에서는 가다 아메르가 한국의 주물공장에서 완성한 청동조각시리즈를 최초로 소개합니다. 육중한 청동조각의 원본은 길거리에서 흔히 볼 수 있는 종이박스입니다. 물건을 옮기기 위해 사용되는 부자재 위에 작가는 그동안 사용해온 붓이 아니라 무른 점토를 사용하여 여성 인물들을 그려 넣었습니다. 주소를 따라 이리 저리 옮겨지던 박스는 그 절개면을 따라 마치 병풍과 같이 펼쳐 세워져, 여성들의 안식처가 됩니다. 형상과 배경, 회화와 조각이라는 전통적인 위계는 사라집니다. 이름 없는 씨앗이 땅에 내려앉아 자라는 정원의 섭리와 같이 껍데기만 남은 박스들은 인물을 담아내는 주소가 되고, 여성의 이미지는 날아다니는 박스의 거주자가 됩니다. 가다 아메르는 지난 2000 년 부산 비엔날레에 참여할 당시 정원 프로젝트<Woman’ Quallity>에서 한국의 관객들에게 ‘여성들의 갖추어야 할 자질’에 대해 질문하였고, 그 답을 받아 ‘순결한’, ‘흰 피부’, ‘가슴 큰’, ‘순종적인’, ‘덕 있는’ 등의 글자가 광장에 식물로 심어졌습니다. 이처럼 작가는 초기작업으로부터 시작하여 오늘에 이르기까지 분명하고 일관된 태도로 일견하고 있습니다. 그녀의 작업은 ‘서구적 (또는 남성적) 회화의 바깥을 향해 나아가는 것입니다.

여성들의 자율적인 주체성 위한 가다 아메르의 기념비적인 작품을 통해 동시대 페미니즘을 고찰하는 기회가 되기를 기대합니다.

가다 아메르 Ghada Amer 작가와의 대화

8월 30일(화) 오전 11시, 송원아트센터, 모더레이터: 양효실(미학)

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2021. 8. 1 ~ 2021. 9. 30

*코로나로 인한 사전 예약제 관람 운영

– 전시 소개

뉴노멀 시대에 기존의 인간이 만들어낸 기준들과 (감정, 감각, 언어 등과 같은) 관념의 표상들을 끊임없이 의심하는 천영환 작가는 범주화된 인식 속의 고유한 개별성과 다양성을 탐구한다.

‘랜덤 다이버시티’가 가시광선의 파장으로 색을 이해하는 인간과, 빛의 전기신호를 색으로 이해하는 비인간(AI) 사이의 협업이었다면, ‘뉴 랜덤 다이버시티’는 향후 시각을 비롯한 후각, 미각, 청각 등 또 다른 감각으로의 연구 확장을 알리는 신호탄이다.

작가는 감각과 인식, 그리고 감정을 알고리즘으로 혼합하여, 비가시적인 것을 가시화시키는 과정에서 인간과 비인간의 앙상블을 통해 새로운 기준을 모색한다.

이전 『After All This Time』 전시가 ‘예측할 수 없는 세상을 헤쳐나가기 위해, 지금. 그리고 앞으로도 지키고 간직해야 할 우리의 기억과 감정은 무엇이어야 할지’에 관해 질문을 던지는 전시였다면, 이번 전시는 백신 보급이 시작되는 시점에서 우리가 지난 시간 동안 잃어버린 기억은 무엇인지 회상하며, 다시 자신 스스로를 새롭게 발견하고, 읽을 수 있는 단서를 제공하고자 한다.

‘기억’은 ‘감각’으로 만들어진다.

천영환 작가는 감정을 *디코드(Decode)하며,

지나간 기억 속에서 이 시간 이후 우리에게 생긴 ‘새로운 감각’은 무엇인지 묻는다.

*디코드(Decode) : 암호화, 부호화된 데이터를 알고리즘으로 해체하는 과정

– 전시 비평

### 감정의 형태: 새로운 순간의 새로운 감정

안진국(미술비평가)

감정을 만질 수 있을까? 색깔이 있다면 어떤 색일까? 소리는 있을까? 맛은? 냄새는? 주머니에 넣고 다닐 수는 없을까? 감정은 만질 수 없고 색깔도 모르고 맛도 알 수 없다. 하지만 간직할 수는 있다. 그 느낌을 일기장에 적거나 메모장에 기록하면 된다. 말로 녹음해 놓을 수도 있다. 하지만 일기장과 메모장에 적거나 목소리를 녹음하는 것은 ‘언어(language)’를 통한 결과다. 언어(문자 언어/음성 언어)는 공동체 안에서 소통을 원활하게 하기 위한 효율적인 체계로, 감정을 아주 쉽게 몇 가지로 범주화(categorization)한다. 그래서 감정의 언어화는 언어의 틀에 맞추기 위해 수많은 부분을 삭제하고 누락한다. 복잡하고 모호하지만, 그 때문에 더 풍부한 감정의 갈래는 강력한 상징성을 지닌 언어에 의해 빈약하지만 확실한 몇 개의 단어로 압축된다. 이렇게 감정은 훼손되고 압착된다. 불변하는 단어 몇 개로 감정이 박제되는 것이다. 하지만 감정의 본성은 끊임없는 변화다. 어떤 사건이 촉발된 당시의 감정과 시간이 지난 후 그 사건에 대한 감정은 같을 수 없다. 더 세부적으로 시간을 쪼개면, 어떤 사건이 일어났을 때부터 그 이후로 순간순간 감정은 계속 변한다. 절대 고정되지 않는다. “매 순간이 새로운 순간들인 것이다(작업노트).” 천영환이 고민하고 탐색하고 있는 지점은 여기다. 그는 매 순간 변하는 감정을 언어로 박제하지 않으면서 예술작업으로 현상계에서 실체화하는 방식을 연구한다.

**개인의 암묵지**

겉보기에 천영환의 작업은 무척 단순해 보인다. 그가 지금도 여전히 연구하고 있는 <Random Diversity>(2020~)의 경우, 어떤 감정을 기술 장비의 도움을 받아 색채로 변형하는 것 정도라고 단순하게 생각하기 쉽다. 마치 ‘열정’은 빨강, ‘푸르름’은 초록, ‘시원함’은 파랑 등 사회적 통념에 따라 기계적인 방식으로 감정의 상태를 색채로 전환하는 것이라고 생각할지도 모르겠다. 하지만 천영환의 작업은 그렇게 단순하지 않다. 아니, 복잡하고 쉽지 않다. 그가 다루는 것이 감정을 촉발하는 사람의 의식이기 때문이다. —감정은 의식의 한 영역이다.— 의식은 인간 지능의 핵심으로 경험을 통해 체화된, 언어로 표현하기 어려운 암묵지(暗默知, implicit knowledge)다. 경험은 삶의 과정에서 쌓이는 것으로, 여러 사람이 똑같은 순간(moment)을 맞이하더라도 개개인의 이전 생의 경로에 따라 그 순간은 전혀 다른 경험으로 기억된다. 이후로도 끊임없이 변모하는 생의 경로를 따라 체화된 경험과 기억도 거듭재구성된다. 따라서 의식은 사람마다 다르며, 한 개인의 의식이라도 고정되지 않고, 순간순간 변모한다. 감정 또한 동일한 속성을 지니고 있다.

과학자들은 의식의 실체를 알기 위해 두뇌의 물리적이고 생리적인 기제를 연구하고 분석하지만, 그것만으로는 온전히 알 수 없다. 예를 들어, 도파민과 같은 신경전달물질의 분비량을 통해 흥분 상태를 설명하지만, 왜 흥분 상태에 이르렀는지에 대해서는 명확히 밝히지 못한다. 개인의 성향에 따라 원인과 정도가 다르고, 그로 인해 그 선택지가 너무 다양하게 많기 때문이다. 이처럼 의식은 객관적 성질(생리적 기제)과 주관적 성질(개인의 다양성)을 동시에 가지고 있다. 감정 또한 마찬가지다. 동공의 확대나 심박수, 뇌파의 변화, 뇌혈류 속도 등의 생리적 현상을 통해 감정의 상태를 짐작해 볼 수 있다. 하지만 개인마다 뇌 속 신경세포의 활동 패턴이 다르기 때문에 생리적 현상에 따른 감정의 상태를 하나로 수렴해서 설명할 수 없다. 천영환은 이렇게 유형화할 수 없는 다양한 인간 개인의 감정 상태를 예술 작업으로 풀어낸다.

그래서 그의 작업은 절대 단순하지 않다. 작가는 감상자가 특정 경험이나 기억을 떠올릴 때의 뇌파와 뇌혈류(Cerebral blood flow)의 변화 상태를 측정해서 그 측정값을 토대로 감정을 실체화한다.

이 변환 과정은 AI 가 맡는데, 일반적인 방식과는 다르게 작동한다. 통상적인 AI 는 특정 알고리즘을 학습해 범주화된 결괏값을 출력한다. 하지만 작가가 설계한 AI 는 특정 알고리즘이나 공통의 훈련 데이터가 없이 개개인의 특성에 집중하는 ‘비지도 학습(Unsupervised learning)’이다. “‘슬프다’는 감정이니까 ‘보라색’으로 표현”하는 식이 아니라, “지금 이 사람의 감정(신호)에 제일 크게 반응하는 색을 찾는 방식”이다(작업노트). 그로 인해 작가의 작업을 통과한 감상자의 감정은 타인과 통용될 수 없는 특정 개인의 독특한 어떤 것으로서 실체를 갖게 된다.

**순간들로 재형성된 다양한 감정**

천영환은 “사람이 태어나서 죽을 때까지 한 번도 같은 뇌파를 가지지 않는다.”라고 말한다. 그의 말은 한 사람 안에 존재하는 하나의 경험과 기억조차도 시간에 따라 그 감정이 달라진다는 의미로 해석할 수 있다. 이것은 그의 작업이 단순히 개인의 특정 감정을 실체화하는 것에 목적이 있지 않음을 알려준다. 거기에서 한 걸음 더 나가 있음을 시사한다.

작가가 보여주고자 하는 것은 이 세상에 존재하는 다양성이다. 이 다양성은 개개인의 다름에 머물러 있지 않다. 그것을 초과한다. 천영환은 개개인이 지닌 독특함뿐만 아니라, 한 개인 안에 존재하는 고정되지 않은 감정의 다양성까지 드러내고자 한다. 이것이 그가 감정을 실체화하려는 궁극적인 목적이다.

의식(좁게는 감정)이 암묵지로 존재하는 것은 사람마다 다른 느낌의 질을 지니고 있기 때문이다. 이러한 의식의 주관적 성질이 감각질(qualia)이다. 감각질은 기능적으로 포착하기 어려울 정도로 불분명하고 유동적이다. 따라서 인간 전체의 감각질을 유형화할 수 없을 뿐만 아니라, 한 개인의 감각질이라 하더라도 그 내부에 있는 다양한 주관적 특성이 시시각각 변하기 때문에 규정하거나 고정할 수 없다. 감각질 안에서 감정은 끊임없이 변모한다. 따라서 천영환의 작업에서 어떤 한 사람이 같은 경험이나 기억을 떠올리며 뇌파와 뇌혈류의 움직임을 측정하더라도 측정할 때마다 그 감정은 달라지며, 감정을 실체화한 결과도 다르게 된다. 쉽게 말해서 똑같은 경험을 떠올리더라도 1 분 전과 지금과 1 분 후는 (미세하게라도) 그 감정이 다르며, 그에 따라 감정을 실체화한 색상이나 소리, 향기 등도 달라질 수밖에 없다. 이 과정에서 감상자는 특정 경험이나 기억에 대한 ‘특정 순간’의 감정을 주머니에 넣을 수 있는 물질로 갖게 된다.

작가는 감정의 유동성을 작업을 통해 드러낸다. 그는 세상의 관념으로 고착화(암호화, 부호화)된 감정을 해체하는 디코드(decode)를 통해 경험이나 기억이 다양하고 새롭게 감각될 수 있음을 예술적 방식으로 알려준다. 이번 전시 ⟪NEW RANDOM DIVERSITY⟫는 이전 작업의 연장선이면서 감정의 시각화를 넘어서 후각, 미각, 청각으로 확장하는 새로운 실험의 출발선이다. 앞으로 우리는 천영환의 실험을 통해 자신의 감정을 보고 듣고 맛보고 냄새 맡을 수 있게 될 것이다. ◎

– 작가 소개

**천영환 Younghwan Cheon**

천영환은 한국과학기술원(KAIST)에서 공학석사를 취득하고, 새로운 기술 변화의 스펙트럼과 사회적 맥락의 조화에 관심을 가지고 있다.

AI, 인간, 로봇으로 구성된 뉴미디어 아트 그룹인 ‘Discrete’에서 인간을 담당하며 ‘AI-Made’에 관련된 프로젝트를 진행중이다.

2018년 기술을 이용한 사회혁신 저변 확대에 대한 공헌으로 대한민국 정부가 수여하는 디지털 사회혁신 유공 표창을 수여 받았고, 2020년 우란문화재단의 우란이상 시각예술연구 전시인 <<RANDOM DIVERSITY>>를 진행했으며, 2021년 예술의전당 ‘내일의 예술展’ 뉴미디어 아티스트로 선정되었다.

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글리치(Glitch)는 일시적인 오류나 사소한 결함을 뜻한다. 미디어 영역에서 자주 쓰이는데 쉽게 떠올릴 수 있는 예가 있다. 버퍼링으로 인해 게임이나 영상의 화면이 “깨졌다”고 하는 상태가 바로 글리치다. 완전해 보였던 형체가 직각의 픽셀들로 파편화된 오류의 이미지인 글리치, 여기에서 임우재는 도시의 형상을 발견한다.

  _{<GLITCH WORLD> 전시 전경}

공간과의 상호작용과 주변 사람들과의 교류를 통해 공간에 대한 의미와 경험이 축적될 때, 추상적인 공간은 구체적이고 정서적인 장소로 전환된다. 그러나 기능성과 효율성을 위해 철저하게 구획화된 근대적인 도시에서 인간은 장소에 대한 감각을 상실한다. <Glitch World> 는 이렇게 장소성이 상실된 도시 공간을 하나의 ‘흘러가는 공간’으로 바라보는 데서 시작한다. 매일 수많은 사람들이 쉴새 없이 도시 공간을 지나가고 서로 마주치지만 그들은 그 공간과 그리고 그곳의 사람들과 관계 맺지 않고 그저 스쳐 지나간다. 이렇게 관계 맺음없이 ‘흘러가는 공간’을 프랑스의 인류학자 마르크 오제(Marc Augé)는 ‘비장소(Non-Lieu)’라고 칭한다. 전통적인 장소와 달리 관계성, 역사성, 정체성이 상실된 비장소로서의 도시는 미디어에 의해 그 비장소적 정체성이 더욱 분명해진다. 우리는 영상매체와 스마트폰을 통해 더 자주 그리고 쉽게 항공사진의 이미지를 접하게 되었다. 방송, 영화, 뉴스는 어떤 도시를 보여주고자 할 때, 드론으로 촬영한 도시 전체의 조망을 제시한다. 그리고 스마트폰 지도앱을 사용하는 동안 우리는 하늘에서 내려다보는 전지전능한 시점으로 도시를 보고 사용한다. 이 모든 시점과 이미지는 인간이 자신의 신체를 가지고는 직접 경험하거나 그릴 수 없는 것이다. 도시에 대한 기억, 경험, 이미지의 다수는 이처럼 미디어에 의해 간접적으로 매개되며 직접 경험되기보다는 빠르게 스쳐 지나간다.

미디어와 실재가 뒤엉킬 때 생기는 시공간적 틈을 탐구해온 임우재는 도시에서 작동하는 미디어의 영향력에 대한 관심으로 한층 다가서며, 이번 전시 <Glitch World>에서 도시의 시공간적 단면들을 픽셀로 하는 ‘글리치’를 선보인다. 설치와 프로젝션으로 구성된 세 개의 <Glitch World>는 흘러가버리고 있는 도시의 시공간적 파편들로 이루어진다. 각 글리치에는 크기와 모양, 높낮이가 제각각 다른 공간의 조각들 위로 흐름과 속도가 다른 여러 시간의 조각들이 흐른다. 때로는 정적으로, 때로는 역동적으로 흘러가는 시간의 레이어는 작가가 여러 도시에서 직접 수집한 장면들과 파운드 푸티지(found footage)로 구성된다. 미디어를 통해 접한 영상들과 작가가 직접 수집한 장면들이 뒤섞인 도시 단면집은 도시에 대한 현대인들의 인상, 그러니까 미디어에서 출처 불명으로 채취된 이미지와 실제 경험, 기억, 감각이 뒤섞인 상태와 유사하다. 이는 동시에 시간과 공간에 대한 종합적인 인식과 복합적인 감정, 사람과 장소 또는 장소와 장소 사이의 상호작용이 와해되어 그 파편들이 무분별하게 산재하는 상태이기도 하다. 거주하고 생활하지만 경험과 감각은 갈수록 불분명해지는 도시, 이 곳에 대한 나의 기억과 경험, 감정은 어디로 갔기에 로딩되지 못하고 있는가? 경험과 감정이 휘발되어 구획과 그리드만이 남은 도시는 데이터가 온전히 로딩되지 않은 채 화면이 깨지고 어그러진 글리치를 닮았다.

임우재가 글리치로서의 도시를 형상화하기 위해 사용하는 프로젝션 맵핑(Projection Mapping)의 방식은 물리적으로 존재하는 형태들의 조합 위에 비물질적인 영상을 덧입히며 공간의 물질성과 시간의 운동성을 서로 분리될 수 없는 하나의 복합체로 압축한다. 이렇게 미디어와 실재, 공간과 시간이 뒤섞인, 단번에 이해될 수 없는 다층의 혼성 공간을 만든 작가는 그 복잡한 층위들 가운데 반복되는 횡단들, 아주 일시적이고 찰나적인 공간 점유에 주목할 것을 요청한다. 실상 미디어에서 파생된 수많은 이미지와 영상들은 감각과 인식의 영역에 흘러 들어왔다가 잠깐의 잔상만 남기고는 형체도 없이 흘러가버린다. 임우재는 그와 마찬가지로 도시를 흘러가듯 지나가는 반복적인 움직임의 장면들을 조합하여 <Glitch World>를 구성한다. 구획화된 거리와 횡단보도를 가로지르고 지하철 출구를 오르내리는 일정한 움직임, 일렬로 나열된 자동차, 플랫폼을 출발한 지하철이 만드는 선적이고 반복적인 리듬은 이를 바라보는 관람객들로 하여금 미디어적인 시간의 단편성을 인식하게 한다. 이로써 도시라는 글리치는 일정하게흐르는 균질한 시간성 대신 이를 테면 GIF파일 같은 찰나의 유동적인 시간성이 반복적으로 재생되는 공간으로 설명된다.

  _{<GLITCH WORLD> 전시 전경}

도시라는 글리치에 온전히 로딩되지 못 했던 도시의 시공간에 대한 기억과 경험, 인상은 대신 독특한 형태의 설치로 그 흔적을 드러낸다. 공간에 얽힌 우리의 인상은 지도나 화면에서 보이는 것 같은 깊이가 읽히지 않는, 깔끔하게 재단된 매끈한 단면처럼 생기지 않았다. 이에 작가는 형태와 크기, 높낮이가 다양한 리드미컬한 설치물을 구축함으로써 그 균일하지 않은 인상을 물리적으로, 그리고 시각적으로 재현한다. 얕고 낮은 깊이와 높이, 양감은 <Glitch World> 드로잉에도 부여된다. 이는 공간에 대한 기억, 경험, 인상을 형상화한 것으로, 작가가 흔적을 남긴다고 표현한 이 과정은 공간에서 만들어진, 그리고 공간에 의해 발현되는 기억과 감정, 경험의 흔적을 물리적으로 남기는 것과 같다. 매일같이 지나는 수많은 거리와 횡단보도, 자주 시선이 닿는 빌딩의 파사드, 지하철 출구와 플랫폼, 반복되는 일상의 장면들에 깊이 박히거나 겹겹이 쌓인 기억과 경험의 조각들의 그 보이지 않는 흔적을 말이다.

흘러가는 공간이라는 비장소로서의 도시를 미디어와 뒤얽힌 글리치의 모습으로 보여주는 임우재의 시도는 역설적으로 시공간의 파편들을 포착하고 한데 모아 하나의 의미 세계를 구축하는 실천을 통해 장소에 대한 감각을 일깨운다. 그 감각은 설치와 프로젝션 맵핑을 통해 공간과 시간, 움직임의 조각들이 합쳐지고 겹칠 때 생기는 틈에서 발생한다. 특히 겹쳐진 시공간의 레이어들 사이에 존재하는 미디어와 실재, 시간과 공간의 틈에서 미세한 움직임이 서로 교차할 때, 새로운 레이어들, 그러니까 도시에 대한 또다른 의미와 관계가 생겨난다. 관계 맺음없이 그저 지나가버리는 공간이 비장소였다면, 그 움직임들이 서로 얽히고 교차하고 충돌하며 의미와 관계를 만들어내는 공간은 장소이다. 이러한 점에서, <Glitch World>는 오제의 표현을 빌리자면 장소와 비장소가 서로 얽히고 서로에게 침투하는 세계라 할 수 있다. 장소와 비장소가 얽힌 그 불분명한 경계를 오가는 임우재의 작업은 ‘비장소’의 형식을 빌려 도시에 대한 기억, 경험, 인상, 감정을 그것이 전개되고 있는 지금 여기로 불러들여 도시라는 ‘장소’를 환기시킨다. 그리고 이 ‘장소’로서의 도시는 관람객의 시선과 사유가 <Glitch World>에 중첩된 레이어 사이사이에 틈입할수록, 그래서 도시에 얽힌 개개인의 기억과 경험, 관계들이 되살아날수록, 더욱 분명해질 것이다.

글: 신영은

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